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La La Land: por amor al éxito

Quizá el mayor logro de Damien Chazelle en La La Land sea el intento de trasladar un género mágico e inocente por antonomasia como el musical al descreimiento y cinismo que reina en la época actual. Para ello utiliza como estrategia una ambientación temporal decididamente ambigua y un diseño que roza lo ‘kitsch’, creando un mundo de aspecto prefabricado para representar una historia de ambiciones realistas. En este juego de contradicciones insalvables es donde se libra la batalla más interesante del film, que parece contener dos películas en continua lucha por mantenerse a flote, logrando combinar secuencias musicales con decenas de actores realizando una coreografía, con otras centradas totalmente en el rostro de un actor. Si bien estas dualidades dotan a la película de múltiples aristas que invitan a replantearla con el paso del tiempo, la llevan en muchas ocasiones a hacer equilibrios en el límite de la hipocresía.

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La primera frase que se escucha en el film hace referencia al número de premios Oscar recibidos por una película, justo después de un número musical multitudinario rodado en plano secuencia (apaños digitales mediante) tan del gusto del academicismo actual. Este gesto, que bien podría ser casual, sirve sin embargo para apuntar el motor principal de la trama: el éxito. Mia y Sebastian son dos jóvenes que anhelan ser reconocidos en sus respectivos ámbitos artísticos: ella como actriz y él, músico de Jazz. Cada uno tiene sus ídolos y referentes a los que veneran, pero esa admiración sólo se expresa a través de elementos del todo triviales como un taburete o un enorme póster con el rostro de una actriz. No se señala su trabajo o los méritos que realizaron para formar parte del imaginario colectivo, sino que se reverencia la figura, el estatus de icono. En esa misma línea se encuentran las decisiones formales de la película, centrada en construir imágenes de inmediato atractivo estético, con vocación de postal o de GIF en internet, en lugar de dotarlas de verdadero significado. En última instancia se descubre que las motivaciones de Damien Chazelle son las mismas que las de sus personajes, entendiendo el reconocimiento y el éxito como llave para alcanzar la felicidad.

Esta tesis no sería tan grave si no fuese acompañada por una ideología profundamente individualista, que se filtra desde la forma en que se trata a los personajes (ningún secundario tiene importancia real, son simples accesorios para los protagonistas) o el planteamiento de no pocas escenas musicales en las que baja la luz y el foco centra toda la atención en el personaje principal, como si nada existiera a su alrededor. Esta sensación se refuerza en la secuencia final del filme, en la que los protagonistas parecen haber antepuesto el éxito individual a aquello que les unía y les había impulsado a alcanzar ese sueño. Aún con todo, una parte importante del público celebra el (supuesto) espíritu optimista de la película, probablemente porque el mensaje del éxito como objetivo último acaba calando en el subconsciente, y el amor queda relegado a un lugar secundario.

Esta decisión de desterrar el romanticismo, entendido como motor tradicional del género musical, puede entenderse también como parte del esfuerzo que hace la película por renovarlo, de la misma manera que la película va mutando desde el citado número inicial, muy en la línea de espectacularización desaforada propia de los referentes clásicos, hacia terrenos más depurados, en la que lo musical se integra de manera más orgánica con el relato y donde la película encuentra sus mejores momentos. La La Land comienza celebrando el espíritu festivo del género para acabar constatando que este no tiene cabida en una época tan egoísta como la actual.

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El cine y las manos

Si empezásemos a hablar sobre Robert Bresson tendríamos para muchas horas analizando los descubrimientos y nuevos enfoques que aportó al séptimo arte, tanto en sus películas como en su necesario libro Notas sobre el cinematógrafo. Pero el tema que acabaría saliendo a la luz sin ninguna duda es el de las manos. El de Bresson es un cine meticulosamente manufacturado, y por ello no es de extrañar que en sus películas las manos adquieren un protagonismo esencial, representando en muchas ocasiones las virtudes humanas.

Manos que leen.

Bresson leer

Aprenden.

Bresson aprender

Y trabajan.

Bresson trabajo

Las manos buscan…

bresson buscar 2

y encuentran.

bresson encontrar 2

Las manos tienen la capacidad de amar.

bresson amar

Pero también de sufrir.

bresson sufrir

Las manos pueden crear…

bresson crear

y destruir.

bresson destruir

Pero a veces, incluso las manos se rinden.

bresson rendirse

Bresson nos enseñó que las manos pueden ser una gran herramienta para el actor (o en su caso, modelo) y que cuando un rostro esconde los sentimientos, las manos son capaces de revelar mucha información. Resulta muy estimulante descubrir en el cine actual películas y autores que apuntan a las enseñanzas de Bresson, demostrando que aún se puede aprender del director francés. Tal es el caso de Only God Forgives, el último trabajo del danés Nicolas Winding Refn. Aquí las manos vuelven a tener una importancia capital, pero parecen representar el lado oscuro del ser humano, ese lado que no mostraban las manos de Bresson.

Unas manos que pueden pasar de ser algo inofensivo…

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a un arma en tan sólo unos instantes.

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Un arma para causar dolor.

OGF 3

Y también placer.

OGF placer

Las manos pueden penetrar en la mayor de las oscuridades.

OGF 4

Y luego basta con lavarlas para expiar nuestros pecados.

OGF lavar

Con las manos podemos intentar llegar al hogar primordial que es el útero materno…

OGF útero

aunque quizás ahí resida esa misma oscuridad de la que intentamos huir.

Es por ello que en última instancia sólo queda espacio para rendirse, y se entregan las manos como la castración definitiva, pero también como la única manera de huir de esa oscuridad.

OGF Rendir

OGF

P.D: las capturas de las películas de Bresson están tomadas de este magnífico post  del blog La escuela de los domingos.

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