Archivo de la categoría: LPA Film Festival

LPA Film Festival: jornadas 6 y 7

Llegamos a la última crónica del 15º LPA Film Festival, fijaremos nuestra mirada en las 4 últimas películas presentadas dentro de la sección oficial, cuyo palmarés se dará a conocer mañana día 21 de Marzo. Motivos de agenda y el imparable ritmo del festival nos obligan a dejar de lado citas obligatorias como la proyección de Cavalo Dinheiro de Pedro Costa o la ya tradicional Noche más Freak que este año pasa a celebrarse en el edificio Miller.

El jueves 19 amaneció con la proyección del último trabajo de Andrei Konchalovsky, The Postman’s White Nights, en la que aborda la vida en un pequeño pueblo a las orillas de un lago ruso a través de la mirada de su cartero. Utilizando a los propios habitantes del pueblo y una puesta en escena naturalista, se ponen de relieve los conflictos y dificultades propias de poblaciones aisladas. La sensación de soledad individual se entrelaza con la cercanía de las relaciones de los personajes, de igual manera que las conversaciones casuales y el humor cotidiano conviven con hermosas secuencias cargadas de lirismo. Un cine de las mutaciones, en el que las fronteras se encuentran del todo desdibujadas.

Postman

Esas fronteras son también protagonistas de La creazione di significato, documental de Simone Rapisarda que viaja hasta los hermosos paisajes de los Alpes en los que tuvieron lugar los sangrientos enfrentamientos entre partisanos italianos y nazis en la segunda guerra mundial. Donde una vez hubo sólo horror, queda un enclave aislado del ruido y la locura del resto del mundo. El documental vaga entre la mirada asombrada a esos paisajes y sus habitantes y los súbitos recuerdos de una civilización desquiciada por la crisis que llegan a través de la radio. Una maravillosa conversación pone de manifiesto las diferencias entre la sociedad italiana y alemana a la vez que escenifica una firma de paz simbólica, entre ambas partes y con los propios recuerdos.

En una línea muy diferente discurre Mar de Dominga Sotomayor, prometedora directora chilena que entrega una película que se construye e interroga a sí misma, lanzando ideas que luego desecha y retomando otras que han estado presentes de forma soterrada. Los conflictos surgidos entre una pareja durante sus vacaciones son el tapiz para una propuesta que si bien a algunos les sabrá a poco (incluyendo sus 60 minutos de duración) supone un acercamiento desprejuiciado al cine, planteando el rodaje y la creación con el mismo ánimo de las vacaciones de los protagonistas, sin ataduras y dejando margen a que la improvisación construya el camino a recorrer.

Mar

El festival clausuró su sección oficial con toda una declaración de intenciones al proyectar Ragazzi de Raúl Perrone. La propuesta del director argentino sigue en la línea de sus últimos trabajos, representados por Favula en la sección Banda aparte, buscando darle la vuelta a cualquier convención establecida. Las imágenes y los sonidos se invierten de forma digital desmontando cualquier rastro de actuación convencional, las imágenes se llenan de dobles exposiciones para conseguir composiciones imposibles y los protagonistas hablan con voces y palabras que no les pertenecen. Todo suma en la búsqueda de la apuesta más radical posible, resultando en una película en la que la forma domina sobre el contenido. De poco ayuda conocer la figura de Pasolini para acceder al primer movimiento que compone Ragazzi, pues no es una película que busque sumergir al espectador en una trama. Una apuesta sin duda difícil de afrontar, que echará a más de un espectador de la sala, pero que deja clara la intención de este festival de seguir en la senda de apostar por el cine más arriesgado. Una decisión que desde aquí celebramos.

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LPA Film Festival: Jornada 5

La sección oficial arrancó con la proyección de Crumbs, película de Miguel Llansó rodada en Etiopía, cuyos desiertos sirven de escenario para un relato post-apocalíptico en el que la humanidad ha dejado de tener ilusión por vivir. Ya no hay niños y los adultos envejecen con la mirada puesta en una nave suspendida en el horizonte. En este futuro se ha creado una mistificación de la cultura popular actual, hasta el punto de que los juguetes se convierten obras de arte y los deportistas y cantantes son adorados como si de dioses se tratara. En un mundo sin niños, los adultos han intelectualizado los placeres infantiles. Los rastros de la cultura se bastardizan en la figura de un Papá Noel perverso o en el recuerdo de Superman que se mantiene a través de su infame versión turca. Bajo su discurso aparentemente anárquico late una crítica abierta hacia la sociedad del culto desmedido en la que nos encontramos. De manera coherente, la película decide destruirse a sí misma y todo su imaginario con un sencillo gesto durante sus títulos finales de crédito.

Crumbs 3

Moviéndose en terrenos más estables se mueve Labour of Love de Aditya Vikram Sengupta, drama preciosista y elegante con la crisis económica como trasfondo. Por suerte, el foco no está puesto sobre datos económicos o la falta de empleo, sino que encuentra la devastación en la rutina de una pareja cuyo día a día está marcado por sus horarios de trabajo. Sin apenas diálogo, la película encuentra su voz en la búsqueda de la belleza de lo cotidiano y el inevitable peso de las ausencias. Los espacios y gestos son sin duda protagonistas en esta película que quizás peca de una excesiva autoconsciencia, pero por el camino regala algunas de las imágenes más hermosas de el presente festival y demuestra que en la India hay cine mucho más allá de los prejuicios de Bollywood.

En la sección Panorama España se encuadra La Fossa de Pere Vilà Barceló, filme que utiliza la figura de un anciano y los recuerdos de una vida marcada por la dictadura para hablar de forma tangencial de la memoria, tanto personal como histórica, con las fosas comunes como figura principal. Las heridas de la memoria son aquellas que nunca cierran, e incluso duelen más todas las historias que sólo viven en nuestra imaginación porque nunca se pudieron cumplir. Se plantea así la triste posibilidad de la necesidad de olvidar para poder cerrar esos capítulos pasados que nos persiguen inexorablemente. Quizás resulten más poderosas las ideas que evoca su visionado que la propia película en sí, con un esqueleto por dos tonos muy marcados de difícil unidad. El antiguo debate sobre fondo y forma que nunca está de más retomar.

La fossa

Ya en la última sesión nos encontramos con el inclasificable Roy Andersson y su reconocida A Pigeon Sat on a Branch Reflecting on Existence, parte final de su trilogía sobre el ser humano en la que mantiene su mismo estilo y estructura, en la que a través de una colección de tableaux vivants ironiza sobre las desgracias y alegrías de la existencia. En el cine del director sueco la risa más descontrolada convive con las mayores miserias humanas de manera extrañamente coherente. Aquí Andersson apuesta por la búsqueda del gag a través de la reiteración, experimentando con todas las variaciones posibles para luego desintegrarlo ante nuestros ojos. Llama la atención una viñeta que arroja una imagen especialmente descarnada, sin espacio alguno para la mirada cómica, dentro de su tono habitual. Un pequeño regusto amargo que no ensombrece el sutil humor absurdo marca de la casa.

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LPA Film Festival: Jornada 4

Alcanzamos el ecuador del festival con la jornada mas convencional en lo que a la sección oficial se refiere. La primera proyección corrió a cargo de Blind Massage, película china dirigida por Lou Ye sobre un centro de masajes regentado por personas ciegas. El filme muestra su primera declaración de intenciones desde los títulos de crédito, enunciados por una voz en off en lugar de aparecer en pantalla. La puesta en escena se sostiene a partir de primeros planos que construyen una atmósfera opresiva en consonancia con las experiencias de los protagonistas, lo que junto a la recurrente voz en off anticipa una propuesta dirigida hacia los sentidos, lo que se confirma con algunos juegos en el terreno visual, que si bien resultan llamativos por evocar las dificultades visuales de los personajes, pronto pierden su utilidad más allá de la fascinación técnica. Sería fácil caer en la admiración de esos recursos al igual que encumbrar la actuación de los actores por su condición de ciegos, pero conviene no perder de vista los mimbres de un film que se descubre como un melodrama que busca la emoción desgarradora a través de las tragedias que azotan a sus personajes.

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Segunda sesión a cargo de Theeb, película jordana ambientada en los enfrentamientos entre los ejércitos británico y otomano durante la primera guerra mundial, y que bien puede leerse como el reverso de Lawrence de Arabia. Aquí el protagonista es un niño que se ve indirectamente implicado en el conflicto, y el soldado inglés es simplemente el detonador de sus desventuras. La aventura épica y la caída en desgracia del héroe del clásico dirigido por David Lean se transmuta aquí en la aventura interna del proceso de maduración prematuro del protagonista. Los majestuosos paisajes forman parte indispensable de la función, con escenarios naturales que refuerzan los estados de ánimo del personaje y a la vez albergan algunas de las escenas más angustiosas del presente festival.

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Por último dentro de la sección Panorama nos encontramos con Maidan de Sergei Loznitsa, documental que muestra lo ocurrido en la plaza de la capital ucraniana durante las manifestaciones del año 2013. El director capta a través de largos planos estáticos la realidad vivida en la plaza de Maidan, desde la unidad y colaboración de los manifestantes en las primeras jornadas a los posteriores enfrentamientos con la policía que convirtieron el centro de la ciudad en un escenario de guerra. El contraste entre ambas imágenes resulta doloroso pero a la vez su encuentro se antoja necesario para comprender las causas y consecuencias. Ante la presencia continua de imágenes sesgadas en los informativos resulta más importante que nunca la existencia de documentos como éste, que capturen la realidad sin ningún tipo de manipulación. En ese sentido resulta llamativo como desde el comienzo del festival hemos asistido a un proceso de depuración del género documental, desde Citizenfour y su adopción de códigos propios del cine de ficción en pos de la espectacularidad, hasta la pura documentación de los hechos que presenta Loznitsa.

Maidan

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LPA Film Festival: Jornada 3

La semana comienza con la llegada de la tercera jornada del festival, en la se presentaron dos propuestas muy diferentes para la sección oficial. La primera fue Das Zimmermädchen Lynn, tercera película como director del alemán Ingo Haeb en la que sigue las andanzas de Lynn Zapatek, una camarera de hotel con la peculiar afición de esconderse bajo la cama de los huéspedes para observar sus vidas. Bajo una apariencia amable la película aborda temas como el placer, la mentira y la enfermedad mental, elementos que quizá formen parte de un todo indisoluble. Ese aspecto agradable es un arma de doble filo, pues si bien puede servir para acercar el film a un público más amplio a la vez corre el peligro de hacer pasar desapercibido un discurso que por amargo no deja de ser interesante. Sin duda queda para el recuerdo la forma de filmar los encuentros sexuales entre sus personajes, toda una lección de sutileza y erotismo de la que bien podrían tomar nota en las altas esferas cinematográficas.

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Mucho más estimulante resultó la segunda propuesta de la sección oficial, Rabo de Peixe de Joaquim Pinto y Nuno Leonel. Se trata de un nuevo montaje del material que grabaron los autores en su estancia en la homónima población de las islas Azores entre los años 1999 y 2001 como testigos de la vida de sus habitantes, basada en la actividad pesquera. El metraje documenta con especial atención el trabajo de estos pescadores pero pronto se entrega a las historias humanas que se encuentran detrás, fruto sin duda de los lazos que se establecen a raíz de la convivencia de los directores con los personajes a documentar. Por el camino quedan reflexiones que abarcan la realidad social y económica propia de las pequeñas poblaciones sin grandes recursos, al tiempo que lanza una crítica hacia los grandes sistemas industrializados. La forma del documental recuerda de manera inevitable al anterior trabajo de los autores, E Agora? Lembra-Me, que estuvo presente en la anterior edición del festival, y cuyo éxito probablemente les animara a revisitar este trabajo desde esa perspectiva de vídeo diario aderezado con reflexiones sobre la propia forma del documental. Curiosamente volviendo la vista a la pasada edición del festival encontramos otro documental con el que Rabo de Peixe compondría una interesante sesión doble. Se trata de É o Amor de João Canijo cuyo foco se encontraba en la labor las mujeres que quedaban en casa mientras los pescadores se adentraban en el mar, la otra cara de la realidad que Pinto y Leonel han buscado retratar.

En la última sesión del día, dentro de la sección Panorama, encontramos Eden, dirigida por Mia Hansen-Løve y escrita en compañía con su hermano, en cuyas vivencias se basa la historia. Eden se adentra en el nacimiento del movimiento electrónico de la capital francesa para seguir a Paul, un joven que sueña con ser DJ. La película tiene mucho de relato generacional (más allá de la presencia de Greta Gerwig) y por suerte salva el escollo de limitarse al público conocedor o amante del género musical que sirve como marco. Más allá de las referencias históricas o las menciones a Daft Punk, la de Paul es una historia de maduración, de ese camino que va desde que soñamos con hacernos ricos escribiendo o haciendo música hasta que nos topamos con la fría realidad. Por desgracia muchos son los caídos a lo largo de ese camino y algunos toman dolorosos desvíos. La música es sin duda protagonista, pero la directora consigue convertirla en algo más que una excusa, funcionando como catarsis del personaje y dejando que tome el control absoluto del metraje cuando el personaje ha perdido el de su vida.

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LPA Film Festival: Jornada 2

La primera sesión de la sección oficial trajo hasta Gran Canaria Songs from the North, el documental de Soon-Mi Yoo que cuenta con el aval del festival de Locarno y su premio a la mejor ópera prima. Con éste trabajo la directora surcoreana realiza un acercamiento al siempre controvertido tema de la realidad de Corea del Norte, pero por suerte su mirada se aleja del sensacionalismo con el que se acostumbra a abordar la cuestión. El documental se construye a través de las secuencias que grabó en su visita al país, a menudo visto tras las cortinas, y fragmentos de obras de ficción que forman parte del imaginario popular norcoreano. A través de esos fragmentos podemos acercarnos al punto de vista de sus habitantes sobre su propia historia, a la vez que se produce un interesante diálogo a través de las texturas. Imágenes desgastadas, que acusan el paso del tiempo frente a un país que parece congelado en el tiempo. El documental mantiene un agradecido tono objetivo gracias a que la intervención de la directora se limita a algunos letreros con reflexiones propias y conversaciones con su padre sobre la historia del país. Queda para la reflexión un apunte en el que se plantea si para imaginar una Corea diferente no sería necesario imaginar unos Estados Unidos diferentes. La realidad de un país no siempre depende por completo de sí mismo. Resulta igualmente interesante prestar atención al diálogo que se produce con otra de las participantes en la sección oficial, Citizenfour, como representantes de dos formas opuestas de afrontar el género documental.

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La siguiente representante de la sección oficial fue Le Paradis de Alain Cavalier, una pieza de cine experimental en la que el director a través de formas cercanas al vídeo diario plantea reflexiones sobre el paso del tiempo, los cambios que afectan a nuestro entorno y memoria de forma inexorable a la vez que juega con las posibilidades de representación de las historias. Con la ayuda de juguetes y su propia voz en off pone en pantalla representaciones de fragmentos bíblicos y la Odisea de Homero, invitando al espectador a reflexionar sobre la importancia del encuentro entre imágenes y narración oral. Interesantes ideas que bajo su estructura esquiva y narración obtusa puede resultar una experiencia sin duda complicada para gran parte del público.

Pasando a la sección Panorama, tuvo lugar la proyección de P’tit Quinquin la miniserie de Bruno Dumont, en su formato maratoniano de 200 minutos. Esta serie llega apadrinada por la publicación francesa Cahiers du Cinéma, donde ocupó el primer puesto en su lista de mejores películas del 2014. Los titulares bien podrían nombrarla como la respuesta a la exitosa True Detective desde el prisma del absurdo, pues sus cuatro capítulos abordan una serie de truculentos asesinatos en un pueblo costero de Francia, que Dumont envuelve con un delicioso humor incómodo y cierta apología de la extravagancia, reforzado por un plantel de personajes realmente peculiar. El mal se presenta como algo completamente incomprensible, una característica tan inherente a nuestra sociedad que está presente desde el comportamiento de los niños pero que no nos escandaliza hasta que se materializa en otras formas más amenazantes. Por el camino surgen también píldoras de crítica social referentes a algunos de los temas más espinosos de la actualidad francesa, conformando un conjunto altamente estimulante pero sin duda pensado para una estructura episódica.

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Centrando nuestra atención en el cine patrio volvemos a la sección Panorama España para encontrarnos con Sueñan los androides de Ion de Sosa, libérrima adaptación híbrida de Blade Runner y la novela original de Philip K. Dick. Se trata de una película profundamente marcada por las circunstancias, pues la necesidad de evitar cualquier referencia directa al original por carecer de los derechos obliga a apostar por una estructura basada en la sugerencia más que en la narración explícita. Resulta sin duda estimulante que una decisión estética basada en la falta de presupuesto, como es la de situar el futuro de nuestro planeta en el Benidorm de la actualidad, ceda la oportunidad de leer unas imágenes costumbristas a través del filtro de la ciencia ficción, sembrando la duda de qué es realmente necesario a la hora de crear una ambientación.

Finalizamos la jornada dentro de la sección Panorama con Le Chambre Bleue, tercera incursión en la dirección del actor Mathieu Amalric, en la que explora una investigación policial y el posterior juicio de una pareja de amantes desde el siempre esquivo punto de vista de su memoria. El relato se construye de manera fragmentada a partir de los recuerdos del protagonista ante las preguntas del juez, cuyo aletargado estado mental arrojan siempre una cierta duda sobre las imágenes mostradas, pero nunca cayendo en el engaño al espectador. La narración serpenteante y un montaje a la altura dan forma a una hermosa representación romántica y atormentada de lo que en otras manos podría haber sido un thriller sin mayor profundidad.

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LPA Film Festival: Jornada 1

La 15ª edición del festival de cine de Las Palmas de Gran Canaria se inaugura con una primera jornada marcada por los contrastes, al menos en lo que concierne a su sección oficial. La primera sesión del día corrió a cargo de Guy Maddin y su película The Forbidden Room, un atrevido film en el que todos los tonos y géneros posibles se dan la mano a través de una estructura de historias dentro de historias, a la manera de Las mil y una noches. El film arranca con una secuencia en la que se explican los entresijos del proceso de darse un baño, como si estuviésemos ante un proto-tutorial de Youtube, para dar paso a la sucesión de historias de maneras que no siempre sirven a la lógica (la radiografía de una pelvis rota bien puede sugerir un viaje en tren). Un elaborado trabajo en el aspecto visual y en la puesta en escena, jugando con las texturas y herramientas del cine mudo (como son los intertítulos o las presentaciones escritas de personajes) y utilizándolos de manera inteligente en favor de la narración, rematan una película de carácter ingobernable. Puede resultar tentador limitarse a describirla como una película surrealista, pero eso sería simplificar en exceso los intereses y logros del trabajo de Maddin. De forma análoga al submarino que inaugura el relato, incapaz de ascender a la superficie pues causaría la muerte de sus tripulantes, los sucesivos relatos nos sumergen de forma irremediable en las profundidades de la narración, sorprendiendo al espectador en muchas ocasiones al retomar sus pasos hacia las capas superiores, redescubriendo relatos que no recordábamos haber dejado inconclusos. En esa línea se alcanza el tramo final en el que aparece “El libro de los clímax” y se suceden una cascada de escenas sin correlación, un flujo de clímax de historias que nunca hemos llegado a conocer que finaliza con una bomba cayendo sobre un cerebro gigante. Una locura de emociones para sustituir la estructura narrativa clásica. El maestro de ceremonias nos recuerda entonces que lo importante de un baño no es cómo lo realicemos sino haberlo disfrutado. El chiste final de una película que planta cara a cualquier convención y se construye a sí misma a cada paso que da.

THE FORBIDDEN ROOM

Ese enfrentamiento contra lo convencional y la búsqueda de los recovecos del cine ha sido precisamente el espíritu de este festival, acercando a las pantallas ese cine que se mueve por los márgenes formales y comerciales. Es por ello que resulta llamativa la siguiente representante de la sección oficial: Citizenfour. Este documental de Laura Poitras cubre las conversaciones que tuvo con Edward Snowden antes y durante el conocido caso de filtración de información de la CIA y NSA que hizo temblar la confianza de medio mundo en sus gobiernos. El film cuenta con la mejor de las cartas de presentación, un recién ganado Oscar a mejor largometraje documental que justificaba el reboso en la sesión para prensa y jurado. Un poderoso contraste con la imagen que ofrecía la sala en la película anterior, que no hacía más que resaltar las diferencias entre ambas propuestas. Citizenfour juega de manera inteligente con los tonos de manera paralela a las implicaciones de la historia. El thriller político, el secretismo informático, la paranoia y el periodismo se dan la mano en la historia de Snowden, y consigue ampliar la historia que conocemos por los medios. Sin embargo, al igual que uno de los periodistas en la película expresa la importancia de la historia contada a pesar de ser imposible de entender su funcionamiento a nivel técnico, la película parece presa de una fascinación del simple hecho de ser testigo de un momento concreto y exclusivo. Mientras las noticias se hacen eco de la identidad del soplón, vemos a Snowden intentando cambiar su aspecto para pasar desapercibido, y la expresión de su rostro nos revela a un personaje a medio camino entre el altruista y el héroe ávido de reconocimiento. Quizás el mayor logro de una película sin mayores apuestas formales y que desde su origen en el secretismo y la lucha contra el sistema acaba siendo entregada al gran público gracias a su reconocimiento por parte de la academia americana.

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En lo referente a las secciones paralelas comenzamos con Pasolini, la reconstrucción de Abel Ferrara de los últimos días del ilustre director italiano. Sería difícil catalogar al film como un homenaje, pues la mayor parte del metraje está gobernado por un tono crepuscular, ofreciendo la imagen de un artista que parece ser consciente de su inminente final. Ferrara aborda la personalidad de Pasolini mediante retazos que nos asoman a sus diferentes facetas, desde la vertiente política con sus críticas abiertas al sistema al apasionado defensor del arte como expresión individual. El acercamiento al siempre espinoso tema de su asesinato resulta también insuficiente, representado casi como si de una casualidad se tratase. Ferrara tampoco busca el homenaje visual explícito, e intentar rastrear el estilo de Pasolini dentro del film resulta poco revelador más allá de la pulsión por los rostros y cuerpos de los actores. El gran regalo se esconde en un fragmento en el que se reconstruye la película que Pasolini soñaba con hacer, contando con la presencia de su amigo Ninetto Davoli. Un hermoso atisbo a lo que el director podría haber conseguido y que insufla algo de vida a su memoria.

Pasolini

Los últimos coletazos de la jornada recayeron sobre los hombros de Isaki Lacuesta y Murieron por encima de sus posibilidades dentro de la sección Panorama España. El último trabajo del director catalán aborda la crisis de nuestro país desde la comedia de corte grueso, en la que el costumbrismo y los toques de drama son llevados al exceso sin remedio. Lo que podría haber sido una visión ácida de la realidad social y política acaba convertida en una caricatura sin remedio. Lacuesta no deja espacio a las sutilezas y todo está pasado por el filtro del exceso, de manera que todas las referencias posibles sobre la crisis están expuestas sin decoro alguno. Este planteamiento es llevado hasta sus últimas consecuencias, con secuencias de gore realmente desagradables, que probablemente sean el único impedimento para que el film conecte con el público mayoritario. Es posible que ante su estreno se repitan las comparaciones con Relatos Salvajes, pero la película argentina a su lado es un dechado de sutileza. Para el recuerdo queda un inmenso monólogo de Albert Pla, aunque lamentablemente ese mérito tampoco puede achacarse por completo a la película.

Murieron

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